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NOCTURNA 2015 | Kill me three times - It Follows (2014)

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Siempre es un placer dejarse tentar por las enrarecidas atmósferas lovecraftianas y acudir con pasión enfebrecida a una nueva edición del Nocturna Film Festival de Madrid. Una cita que en su tercera edición se ha confirmado ya como obligatoria para los amantes del cine fantástico y de ciencia ficción y que aúna propuestas de indiscutible calidad y presencia en otros "hermanos mayores" como Sitges con divertimentos absolutos, serie B y ponzoña de la peor calaña destinada a hacer las delicias de los amantes del cine más desprejuiciado. Todo un soplo de aire fresco que nos da la posibilidad de ver proyectadas en pantalla grande propuestas interesantes que cuentan con escasas probabilidades de estrenarse en suelo español. Y es que un festival que tiene como símbolo al mismísimo Cthulhu no puede tomarse a la ligera. El comienzo de cada proyección con la deidad lovecraftiana emergiendo de las profundidades y haciendo que la platea clame y se postre a sus pies ya se ha convertido en todo un símbolo.

En esta sesión hemos podido asistir a dos propuestas interesantes, cada una de ellas a su manera. La primera estaba precedida por el corto "El vidente", muy bien elegido ya que su tono jocoso se alinea con el largometraje posterior. Se trata de una historia ligera ambientada en los shows de videntes televisivos con alguna vuelta de tuerca curiosa que apuesta decididamente por el humor, aunque su estructura innecesariamente alambicada le resta puntos. Sin embargo, cuenta con un as en la manga de excepción, un protagonista de la talla de Karra Elejalde que está inmenso como siempre y roba descaradamente la función como un vidente presuntamente argentino de lo más peculiar, un farsante que tal vez no lo sea tanto... Y tras el aperitivo pasamos al primer plato:


KILL ME THREE TIMES

Curiosa propuesta australiana a medio camino entre el thriller y la comedia, protagonizada por Simon Pegg aunque la trama es muy coral. Un asesino a sueldo será el testigo de los tejemanejes de un dentista con demasiada afición a las apuestas, su posesiva y resolutiva mujer, el propietario de un bar de carácter violento, negocios turbios y mano suelta con su mujer, el amante de ésta y un veterano policía corrupto hasta la médula y que se las sabe todas. Una serie de vidas que se irán cruzando de forma que nos irá deparando más de una sorpresa a medida que avanza el metraje, a lo que ayuda la estructura de la película en tres líneas temporales y puntos de vista diferentes que van convergiendo hasta que unimos todas las piezas del puzzle.

De esta forma, encontramos como base una historia anclada en el cine negro más clásico, con todos sus elementos: Femmes fatales, asesinos sin escrúpulos, la novia del gangster, el héroe intachable, el poli corrupto, la rubia peligrosa, el calzonazos sometido, un montón de dinero de por medio, sexo, sudor y sangre. Mucha sangre. Sólo que esta base negra está rebozada por un constante tono humorístico que va desde la negrura más absoluta hasta momentos más pueriles. Ojo, no esperemos un Locke & Stock o incluso un Giro al infierno. Se queda muy lejos de estas propuestas. Si una frase se le aplica como un guante es"Tarantino ha hecho mucho daño". En esta ocasión, la narración fragmentada no juega a su favor ya que le falla la planificación, quedando bastante cojo el nivel de interés de cada una de las "líneas temporales" o "muertes". Las dos primeras resultan incluso repetitivas mientras que todo acelera a partir de mitad de metraje, que es cuando la historia empieza de verdad a concretarse, tomar interés y despegar. Así pues, requiere unas dosis de paciencia del espectador para llegar a disfrutar del conjunto. De igual forma, a quien no entre en el humor de la película sus ajustados 80 minutos se le van a hacer un mundo.

Destacar también un reparto muy coral, como hemos comentado, en el que destaca sobremanera Simon Pegg haciendo de Simon Pegg. Aunque hay que reconocer que el jodío lo hace muy bien, le tiene cogido el punto a este tipo de personajes y en esta ocasión le añade un plus de cinismo y chulería que le viene como anillo al dedo. No tarde en hacerse el amo de la función. Acompañándole tenemos a dos bellezones como Alice Braga y Teresa Palmer luciendo palmito de Femme fatale pasándolas (y haciéndolas pasar) canutas y a un veterano como Bryan Brown bordando su personaje de policía perro viejo bastardo. Como curiosidad, en el reparto encontramos también al mayor y más desconocido de los hermanos Hemsworth, Luke. Por lo demás, destaca también el buen aprovechamiento que se hace de un marco incomparable como los paradisíacos paisajes australianos y una banda sonora obra de Johnny Klimek con un tema principal potente pero que llega a hacerse cansina. En definitiva, un divertimento desprejuiciado plagado de humor negro e inesperadas explosiones sangrientas que se queda lejos de la maestría pero resulta entretenido si entras en su mezcla tonal y eres capaz de salvar los primeros 20 minutos. 

El corto "The Fisherman" tuvo el honor de ejercer de telonero del plato fuerte de la noche. Un ejercicio de estilo rodado en Hong Kong que sabe aprovechar las posibilidades estéticas de tan potente escenario para ofrecernos una revisión bizarra de "El viejo y el mar". Un testarudo pescador que está casi en la ruina intenta salvar el orgullo y su barco aferrándose al clavo ardiendo de atrapar una presa de lo más peculiar que le puede acabar dando fama y fortuna. Un corto muy bien rodado al que le sienta fenomenal la atmósfera oriental (no hubiera sido lo mismo si se hubiera ambientado en Cantabria como era la intención de su director) y con un final sencillamente perfecto. Todo un acierto para abrir boca de cara a potentísima obra que cerró la noche y que opta sin duda a encabezar las listas de las mejores películas vistas en esta edición:

IT FOLLOWS

Impecable y original película de terror que viene a constatar el hecho de que no todo está inventado en el género. Todo un soplo de aire fresco que huye del susto fácil (sólo encontraremos un par de ellos en todo el metraje) y los típicos artificios de utilizar efectos musicales para sobresaltar al espectador. Lejos de ello, cimenta toda su potencia en la capacidad de su director para crear una atmósfera opresiva y llena de tensión mediante un ritmo pausado pero firme y un recurso que se muestra de lo más efectivo como son los travelling circulares. Un producto de terror adolescente que demuestra que no es necesario tratar como idiotas a sus potenciales espectadores y huye de la complacencia y del terror de churrera. Sobresaliente el punto de partida (esa concepción de la maldición como si se tratara de una enfermedad venérea), la efectividad al transmitir el desasosiego que produce saberse condenado a una vida miserable donde lo mejor a lo que se puede optar es a breves periodos de paz que pueden acabar en cualquier momento y la gran interpretación de Maika Monroe, que sigue postulándose como una promesa de primera categoría.

Para un mayor detalle sobre la que sin duda será la gran película de terror del año os recomiendo fervientemente visitar la reseña de nuestro compañero Dante Martín en el siguiente enlace.
Por Antonio Santos

EN CORTO | Kung Fury (2015)

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Y David Sandberg lo consiguió. Tras el avance hace algo más de un año, por fin ve la luz el cortometraje que nos hizo babear a los más freaks. Una mezcla sublime con dinosaurios, vikingos, nazis y kung fu al más puro y fiel estilo ochentero, incluido el peculiar granulado y desgaste de las cintas VHS. Una reliquia que hay que ver, disfrutar y repetir, porque Sandberg ha logrado con creces homenajear al extremo el formato y esperemos que lo tengan en cuenta para otras producciones. 

La trama de Kung Fury nos lleva a la aventura de un policía que tras morir su compañero y ser herido de gravedad, obtiene los conocimientos del Kung Fury de forma astral, resurgiendo de sus cenizas y contraatacando al enemigo. El peligro aparece cuando Hitler viaja al futuro y busca al elegido para proclamarse amo y señor del Kung Fury. De éste modo, nuestro héroe viajará en el tiempo con ayuda del peculiar Hackerman para eliminar al dictador, aunque surge un contratiempo, su viaje lo lleva a la época vikinga. Sin más que contar, lo mejor es que disfrutéis durante media hora de ésta maravilla, incluyendo el tema final "True Survivor", de David Hasselhoff, quien se auto-homenajea con un guiño hacia el coche fantástico. Lo dicho, pasen y vean!





CRÍTICA | Área 51 (2015)

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"SI TUVIERA ELECCIÓN, AHORA MISMO ESTARÍA EN UNA PISCINA DE LAS VEGAS"

¿De qué va?
Un grupo de adolescentes decide investigar por su cuenta en el Área 51, en los entresijos de sus instalaciones. donde tratarán de encontrar pruebas extraterrestres

Reparto
Jelena Nik es Jelena
Suze Lanier-Bramlett es Diane
Reid Warner es Reid
Glenn Campbell es Glenn

Dirección
Oren Peli (Paranormal Activity)

Impresiones
Un año antes de que El proyecto de la bruja de Blair pusiese de moda nuevamente el found footage, Dean Alioto estrenaba en televisión Alien abduction: Incident in Lake County (The McPherson Tape) –Extrañas criaturas en España-, una modesta propuesta que traía la invasión extraterrestre al seno de una modélica familia americana en pleno Acción de Gracias, en la que sería una de las muchas referencias de las Señales de Shyamalan. Ya entonces, aquel realizador jugaba con las bases que popularizarían el tándem formado por Daniel Myrick y Eduardo Sánchez, convirtiendo el producto en carne del sensacionalismo gracias a una inteligente campaña de marketing, llegando a creer muchos telespectadores que lo que veían era real.

Ahora, a medio camino entre el mockumentary y el mismísimo recurso del tan manido material encontrado–más lo segundo que lo primero-, llega Área 51, una película que vuelve a explorar la temática extraterrestre siguiendo a un grupo de adolescentes que, tras el contacto con seres de otro mundo, deciden adentrarse en pleno desierto de Nevada en busca de las míticas instalaciones del gobierno estadounidense, centro de las leyendas urbanas conspiratorias por excelencia.


No hablaríamos hoy en día de este film si no fuera porque, precisamente, tras la cámara se encuentra el cineasta que rentabilizó definitivamente el found footage con la saga Paranormal Activity, verdadera culpable de que hoy en día lleguemos a ver hasta una decena de títulos que utilizan este forma de hacer cine, pues nos dejó claro que cualquiera podía rodar una película siempre que tuviese una cámara a mano. Y lo cierto es que en este segundo trabajo, Oren Peli demuestra que domina el sobreexplotado subgénero a la perfección, manejando con soltura determinados momentos de tensión, si bien estamos más ante una película de ciencia-ficción y suspense que de terror, y sin nada de música ni cambios de plano imposibles. 

Sin embargo, si de algo adolece Área 51 es de un guión férreo que sepa hacia dónde quiere ir. Tarda una barbaridad en entrar en materia, y cuando lo hace, durante su última media hora, ofrece una serie de ideas y pistas interesantes más propias del comienzo de una nueva franquicia que de un proyecto perfectamente cerrado y engrasado. Todo parece más bien fruto de una gestación, rodaje y postproducción caóticos, los mismos que hicieron que su anterior obra tardase años en estrenarse en salas comerciales, y las mismas que han hecho que este nuevo trabajo haya tardado cuatro años en poder ser visto. Gracias básicamente a que su productor, Jason Blum, ha decidido sacarlo de una vez tras muchos retrasos. Y la sensación que queda es esa, de material más inacabado que finalmente encontrado, pero sobre todo, lo peor de ella es que se ve sin más, sin ofrecerte nada remarcable dentro del cine de conspiraciones alienígenas y gubernamentales. Para eso ya estaban Mulder y Scully en aquel sencillo pero ingenioso producto televisivo a recuperar. En ellos “I want to believe” ★★★1/2

Por Gerardo Medina


CRÍTICA | Cronos (1993)

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"¿QUIEN DICE QUE LOS INSECTOS NO SON LAS CRIATURAS FAVORITAS DE DIOS? CRISTO CAMINÓ SOBRE EL AGUA, IGUAL QUE UN MOSQUITO. EL ASUNTO DE LA RESURRECCIÓN, ¿NO LE ES AJENO A LAS HORMIGAS, A LAS ARAÑAS?. PUEDEN ESTAR EN EL CENTRO DE UNA PIEDRA CIENTOS DE AÑOS HASTA QUE ALGUIEN VIENE Y LAS LIBERA"

¿De qué va?
Jesús Gris es un hombre que regenta una tienda de antigüedades. Un buen día encuentra en el interior de una figura de un arcángel un extraño artefacto que acaba poseyéndolo, convirtiéndolo en un ser ávido de sangre.

Reparto
Federico Luppi es Jesús Gris
Ron Perlman es Angel de la Guardia
Claudio Brook es De la Guardia
Tamara Shanath es Aurora
Margarita Isabel es Mercedes

Dirección
Guillermo del Toro (Pacific Rim)

Impresiones
Supuso el debut de Guillermo del Toro en el largometraje y fue una película que llevó en su mente durante ocho años desde que escribió el guion. Recientemente ha salido una edición especial por parte de Manga Films que remasteriza su trabajo y ofrece diversos extras, incluyendo el guion original que como podrán comprobar varía bastante de lo visto en la película. La razón es más que evidente, Del Toro tuvo que adaptarse al presupuesto, que fue muy corto. De hecho, tuvo que lidiar con el estudio cinematográfico de México, quien no le veía ningún interés a su historia y fue postergando su realización durante cuatro años. La excusa del instituto cinematográfico era que una historia de "vampiros" no podía llegar a tener éxito en México de ahí que una vez dado el visto bueno, el director tuviera que embargarse, hipotecar su casa, pedir préstamos e incluso vender su camioneta para rodar algunas escenas que no pudieron por falta de metraje. Por mencionar tan solo una curiosidad para entender la escasez de presupuesto, la película se iba a llamar La invención de Cronos, pero ni siquiera tenían dinero para la serigrafía -aunque suene a chiste- y lo tuvieron que dejar en Cronos a secas.

Cabe destacar que si bien Del Toro tiene una mano especial en sus trabajos es por la creación de su empresa de efectos especiales y maquillaje, Necropia. En su anterior cortometraje la inauguró con tan solo tres personas y para Cronos ya tenía a quince en su mando. Es de agradecer su estilo ya que se ha incrementado hasta el máximo, ofreciéndonos a lo largo de su carrera trabajos inigualables donde su mano queda grabada de forma especial en cintas como Hellboy o El laberinto del fauno. 


Volviendo a la película, si bien es cierto que no era la historia que tenía en mente el director, ya que el planteamiento inicial era el de un abuelo que vampirizaba uno a uno a su familia, tiene varias vertientes interesantes relacionada de forma secundaria con la alquimia y una relación directa con la historia bíblico de Cristo. El personaje de Luppi -que está espléndido- se llama Jesús, es resucitado, tiene en su haber un arcángel que le ofrece una reliquia y a su alrededor hay un ser que lo rodea continuamente llamado Ángel, interpretado por el que se convertiría en su actor fetiche, Ron Perlman. Sobre Perlman cabe mencionar que accedió a la película y sin embargo no pudieron pagarle en mitad del rodaje por falta de presupuesto. Del Toro le dio su palabra de honor de que le pagaría hasta el último céntimo y Perlman confió ciegamente en él. Sintiendo que estaba en deuda, siete años después le regaló a uno de sus personajes más emblemáticos, Hellboy. No cabe duda que la relación entre ambos es singular a la par que única. 

En Cronos hay varias temáticas que el director ha impreso de forma abierta y otras muy secundarias. Desde el caso del tratado del libre comercio, el símil bíblico ya citado, la alquimia en forma de colores a la hora de rodar -impecable la fotografía de otro fiel del director, Guillermo Navarro- y la llegada de los americanos a México. Sobre éste último detalle, Del Toro tenía en mente usar a villanos alemanes, pero en vista de la búsqueda de coproducción con Estados Unidos, cambió para darle un cariz más torpe ya que como él mismo comenta, cuando una producción americana coloca de villanos a mexicanos, siempre los expone muy caricaturescos, de ahí que use ésta película como venganza personal.

Si hacemos referencia al protagonista, Jesús Gris, hay que destacar su evolución. Aunque no se cita en ningún momento la palabra vampiro en el film, se denota la sed de sangre, la alergia a la luz que se va incrementando, pero no cae en lo convencional y no nos presenta a un ser que se vuelve fuerte con cada lamido de sangre -brutal la escena del baño en la fiesta, grabada en un solo plano- sino que siente dolor y su sufrimiento se incrementa a pesar de su inmortalidad. Del Toro nos presenta éste entramado como si de un yonqui se tratara, metiéndose el chute cuando se lo pide el cuerpo para evitar el mono, o recogiendo la sangre de un lavabo como si fuese a hacerse una raya. No se me quita de la cabeza ese momento de poesía en el que la nieta esconde a su abuelo en el cofre de los juguetes como si de un ataúd se tratase, simplemente poético y romántico. De igual modo, la escena final cuando la nieta habla por primera vez, es un momento que corta el aire, donde sale a relucir la persona que Jesús había abandonado.


No obstante, Cronos no es una película fácil. Peca de lenta y sus diálogos son escasos, tiene carencias evidentes... Es una buena ópera prima pero me habría gustado ver lo que realmente tenía en mente el director. Aun así, hay que decir a su favor que gana con un segundo visionado, sobre todo por el realismo que ofrece Luppi en su interpretación. Hay que verla para descubrir que Del Toro era un genio aun en sus inicios, y que de no estar limitado, podría haber triunfado desde su origen. No obstante, aunque el instituto mexicano no daba un duro por él, obtuvo varios premios Ariel, fue bien recibida en Cannes, consiguió ovación en Sitges y hoy la recordamos con gusto. ★★★★1/2
Por Dante Martín


NOCTURNA 2015 | Vampyres (2015)

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¿De qué va?
La historia se centra en dos vampiras que habitan en una oscura mansión donde atraen a hombres a los que les ofrecen orgías de sexo que terminan siendo orgías de sangre. Hasta aquel lugar llegan unos jóvenes excursionistas con ganas de fiesta y un hombre que esconde un oscuro pasado...

Dirección
Víctor Matellano (Wax)

Impresiones
En primer lugar, conviene hacer constar que no he visto la película original del mismo título dirigida por José Ramón Larraz en 1974 y estrenada en España con el más castizo título de "Las hijas de Drácula". Por lo tanto, no entraré en materia sobre si esta revisión perpetrada por Víctor Matellano hace honor o no a su referente. En el segundo caso, no cabe duda de que el término "clásico" está muy sobrevalorado...

Las dos primeras escenas de esta película nos dejan las cosas bien claras sobre lo que nos espera. La primera acentúa los componentes básicos sobre los que va a girar la trama: sangre y tetas. Sin más. La segunda, una melindrosa escena que sigue a dos enamorados en moto hasta acabar pasto de la sed de sangre de una extraña presencia ya nos anticipa el dato que nos faltaba y que iremos contrastando a lo largo del metraje: es mala de solemnidad. Pero lo peor no es eso, sino que además se empeña en tomarse en serio a sí misma cuando la realidad es que no hay por dónde cogerla. Al menos las películas malas conscientes de serlo tienen la virtud de ofrecer sana diversión e irreverencia que permite a un público que sabe lo que busca disfrutar de ellas, cosa que no se produce en este caso, llegando a hacerse larga y tediosa. Sobre todo porque a lo largo de todo el metraje va dando bandazos sin ton ni son.


Lamentablemente, poco bueno se puede decir de esta propuesta. Un par de escenas visualmente muy potentes, como esa ducha sangrienta de las dos vampiresas mientras dan rienda suelta a su lubricidad, perdidas entre un maremagnum de caos argumental, un montaje de juzgado de guardia y una dirección bastante imprecisa. Al mismo nivel están las labores actorales, donde las vampiresas dan toda la sensualidad que pueden ofrecer (que es mucha) y el resto de actores vagan como almas en pena sujetos a un guión que los va moviendo de un sitio a otro sin orden ni concierto, destacando un Christian Stamm más perdido que un pulpo en un garaje y la estelar presencia de Caroline Munro que se da un paseo en bicicleta, suelta sus diálogos absurdos (como todos) y a otra cosa, mariposa. Pero a los pobres no se les puede achacar el peso de este despropósito, sino a un guión lleno de incoherencias (la luz del día afecta ahora sí, ahora no) y situaciones risibles (el cepo, el momento "lengua") que divaga sin saber dónde quiere llegar y pretendiendo ser críptico y simbólico con determinados detalles cuando la realidad es que al espectador terminan por no interesarle un pimiento.

¿Lo mejor? El póster. Como dice el gran Terrence Fletcher, no hay dos palabras más dañinas en nuestro idioma que "buen trabajo". ¿Quién le habrá dicho esas dichosas dos palabras a estas pobres criaturas? No ponemos en duda que las intenciones sean buenas, pero bien es sabido que el camino del infierno está empedrado de buenas intenciones. En este caso, el camino al infierno del olvido.★
Por Antonio Santos

DOCUMENTAL | Cruzando el puente: Los sonidos de Estambul (2005)

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¿De qué va? 
Alenxander Hacke es un músico germano locamente enamorado de la ciudad de Estambul, especialmente por su música callejera. Entre sonidos exóticos que pocas veces hemos apreciado desde nuestra butaca de occidente, y sonidos no tan peculiares como una base de hip-hop o una guitarra eléctrica, Alexander nos guía a través de amigos y conocidos hacia un mundo de sensaciones sonoras. Se nos muestra una ciudad europeizada que no por serlo ha olvidado un pasado otomano. Sensaciones dispares y recuerdos comunes se convierten en telón de fondo de una larga caminata por distintos puntos de la ciudad, cada uno con su acústica y su público. El documental se convierte en mapa, y a través de él los personajes se mueven y agrupan bajo el cielo de dos mundos: Europa y Asia. 

Dirección y producción 
Alexander Hacke, también conocido como Alexander von Borsig, nació el 11 octubre 1965 en Berlín. Personaje polifacético donde los haya dentro del mundillo de la música, es guitarrista,bajista, cantante, compositor y productor musical. Saltó a la fama principalmente por ser un antiguo miembro del influyente grupo de música alemana Einstürzende Neubauten. En 2003 él y su pareja Danielle de Picciotto organizaron un evento mensual llamado "BadaBing" en la famosa Berlín 70 Club Big Eden. Durante el evento presentaron nuevas bandas bastante inusuales para la época. Así se inició una nueva ola musical en Berlín orientada hacia la música "Futur-electroclash". En 2004, Danielle de Picciotto produjo un documental sobre el grupo Einstürzende Neubauten, y por supuesto, como antiguo miembro, Hacke se encargó de diseñar la música. En 2005 lanza el álbum “Santuario”, un recopilatorio de muchas de sus canciones presentadas en una gira por Europa y América del Norte. Durante dicha gira colabora con numerosos artistas como: JGThirlwell, Caspar Brötzmann, Larry Mullins (Toby Dammit), Vinnie Signorelli (Unsane), Michael Evans (KBZ 200), entre otros. 

Sin embargo, el documental que nos atañe está realmente dirigido por Fatih Akın. Hacke pone la banda sonora y su voz. De Fatih decir que nació en 1973 en Hamburgo, aunque los padres son de etnia turca. Su debut como director fue en 1998,con un largometraje llamado Short Sharp Shock con el que obtuvo el premio Leopardo de Bronce en el Festival Internacional de Cine de Locarno en Suiza, y el Pierrot, el Premio de Cine de Baviera dedicado al Mejor Nuevo Director del año. Entre sus muchos títulos os recomiendo The Edge of Heaven, una historia intercultural alemana-turca de pérdida, duelo y el perdón que ganó el Premio al Mejor Guión en el 60º Festival de Cine de Cannes EN 2007. 


Impresiones
¡Estambul! Quién no piensa en sus calles y mercados, en sus puertos y puentes, en sus hammams y mezquitas como un conjunto exótico, y lejano. La ciudad de los mil nombres. En la época de su fundación (667 a.c) los colonos griegos que allí se asentaron la hicieron llamar Bizancio. Siglos más tarde, bajo el dominio del Imperio Romano se le cambio el nombre por Constantinopla, en honor al emperador Constantino. Finalmente, en el año 1453, el emperador otomano Mohamet II entró glorioso en sus calles y la bautizó con su actual nombre: Istambul (Estambul para nosotros). Tantos han sido sus huéspedes como tantas otras veces la ciudad ha sido concubina. Algo similar ocurre con la cultura que aflora y se recupera en sus calles. Sus habitantes nunca duermen. Durante el día las plazas y los mercados son un trajín constante de comerciantes, transeúntes y turistas. En la noche, la ciudad se convierte vicio y diversión. Sin embargo, brille el sol o la luna, la música está constantemente presente, haciendo de Estambul la ciudad más sonora de Europa, y posiblemente también de Asia. 

Al comienzo del largometraje, se nos presentan frases sueltas que nos anticipan el espíritu difusor del documental. Hacke comienza a caminar hasta toparse con la primera banda de música que desde un pequeño barco toca con el Estrecho de Bósforo como escenario de fondo. “A través de la carretera de la Libertad llegamos a un túnel, y al final está la plaza Taxim” nos dice uno de los integrantes del grupo musical turco Baba Zulu. En su metáfora, el grupo nos desvela el poder de la calle y su capacidad de crear unidad. Todo ello sin más arma que la palabra, a través de los instrumentos y el canto.

Luces de neón en las esquinas. La noche empaña los sentidos, y transforma los miedos en locura y rock. Tabaco, alcohol y guitarras se reúnen en un garito para mostrarnos con planos cortos y acelerados, donde la cámara corre de rostro en rostro cómo el rock turco nada tiene que envidiar al norteamericano. Es su rock. Sus reglas y sus letras. Fatih Akın consigue acercarnos a través de los ojos y silencios de los músicos unas melodías que saltan de un estilo a otro, de una banda a otra, de un escenario a otro, con largos planos gravados a pulso y con tiento. Los desplazamientos de cámara mantienen al espectador alerta, excitado por lo que ve y oye, hasta el punto de alcanzar una narración visual caótica. Pero todo tiene un tiempo, y conforme dejamos atrás alternativas musicales y nos adentramos en la tradición musical turca, la cámara se vuelve paciente y observadora. 


“No imitan, fusionan”. Es la conclusión a la cual muchos de los que os animéis a ver éste documental compartiréis conmigo. Entremezclan violines y saxofones con voces guturales, y de repente interrumpe unuti o el orham baba. Instrumentos ancestrales base de la música turca tradicional. Herramientas extrasensoriales que relajan el alma y de alguna forma, aplacan el dolor. Pues, el pueblo turco, como el español, ha sufrido un golpe de Estado y una guerra civil. La música kurda (cuya cultura fue casi devastada y completamente relegada al exilio) hace de curación. De una forma cercana y honesta, el documental acerca realidades innovadoras, como el caso del famoso músico turco Orham Gkensebai, y pretende dar voz a los humillados, como un grupo de músicos kurdos que se preguntan que los hace distintos si ellos también lucharon por la libertad de Turquía. Mediante el arte de la creación musical se rescata el pasado, se viven encuentros presentes, y se planea un futuro. 

Una hermosa mujer en el interior de un hammam canta al amor en un idioma que no es el turco, ni árabe, sino el kurdo. Resuena en los muros. Nos lanza un mensaje: la música transforma, pero también une sensaciones. Hervé Dieu, director de fotografía de éste fantástico recorrido, es delicado a la hora de compaginar planos atolondrados y fijos. Luces y sombras en la distancia hacen centrar la mirada en la música. A cada paso, veo una posible instantánea. La belleza de Sezen Axou, quizás la cantante turca de mayor fama y de escultural presencia, nos anuncia que el final se acerca. Estas últimas secuencias son para la reflexión del espectador. Personas que partieran en busca de algo mejor regresan a la ciudad maravilla de oriente, donde su complejidad aflora en cada acera. Son copiosos y diversos sonidos, consecuencia de un pasado enriquecido y doloroso, se asientan en nuestros oídos. Inmigrantes algunos, amigos otros. Estambul acoge a todo aquel que posa la mirada en ella, y como hizo conmigo hace ya tantos años, te atrapa en su devenir diario. El Bósforo oculta la caída del sol, y otra jornada concluye. Hacke se aleja. La narración concluye. ★★★1/2

Por Olalla Negrete


NOCTURNA 2015 | Monsters: Dark Continent (2014)

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"VAMOS A COMPLETAR ESTA MISIÓN"

¿De qué va?
10 años después de la invasión monstruosa, las áreas de cuarentena proliferan alrededor del globo. En Oriente Medio, estas circundan multitud de conflictos bélicos. Esto hace que las tropas norteamericanas deban hacer frente tanto a los insurgentes como a los alienígenas.

Reparto
Johnny Harris es Noah Frater
Sam Keeley es Michael Parkes
Joe Dempsie es Frankie Maguire
Kyle Soller es Karl Inkelaar
Nicholas Pinnock es Sergeant Forrest

Dirección
Tom Green (Blackout)

Impresiones
Es sencillo recordar el buen sabor de boca que dejó una película tan inesperadamente intimista como Monsters. Una vuelta de tuerca al género de grandes criaturas (en este caso de origen extraterrestre) que la convertía en una historia de amor con monstruos al fondo. Eso sí, con unos diálogos y una elegancia en el manejo de la cámara y el planteamiento de la historia más que destacables. De esta forma, el listón estaba alto de cara al estreno de esta secuela. El hecho de que Gareth Edwards, el director original, no esté involucrado en la historia (más allá de labores de producción ejecutiva) ya reduce nuestras expectativas, al igual que su estreno a través de canales VOD. Aunque no hasta el extremo de esperar un producto tan aburrido y pretencioso como el resultado final que nos hemos encontrado.

Sólo atendiendo a las tres líneas del argumento ya podemos considerar que hemos visto la película, ya que no necesitamos saber más acerca de lo que nos cuenta. Básicamente porque no cuenta nada. El principal pero que se le puede achacar es que en dos largas horas de metraje no es capaz de hilar una historia mínimamente entretenida o que pretenda llegar a alguna parte, sino que se trata de una sucesión de escenas deslavazadas que plantean una serie de temas y cuestiones que no se llegan a desarrollar en algún momento.


Hay dos formas principales de enfocar esta película. La primera es la más acaloradamente patriotera. Aquéllos que han criticado el americanismo de productos como El francotirador se flagelarían amargamente ante la visión que nos intenta trasladar el transfondo de la historia. Las criaturas ya no sólo se concentran en la franja de tierra hostil entre México y Estados Unidos que vimos en la primera parte, sino que campan a sus anchas por todo el globo causando el caos. La policía del mundo, es decir, el ejército americano se deja la vida y la cordura acudiendo allá donde lo necesitan para controlar a tan peligrosos engendros. Esto añade un factor de riesgo, sobre todo a nivel mental, en zonas como Oriente Medio ya que además de a los monstruos han de enfrentarse a los peligrosos revolucionarios que los quieren fuera de sus tierras. Toda una burda metáfora de la política intrusista americana y un intento por justificar el hecho de que su presencia es necesaria en según qué zonas para salvar a la población, a su pesar, de los "monstruos" que los acechan. Casi nada... Si no queremos hilar tan fino, otro foco más inmediato sería ver la película como un "En tierra hostil" con monstruos al fondo. De esta forma contemplaremos el día a día de un escuadrón militar destinado en Oriente Medio desde el punto de vista tanto de los recién llegados como de los veteranos a los que la guerra está haciendo mella psicológicamente. ¿Nos suena de algo? Pues efectivamente es el mismo tema pero mucho peor desarrollado.


De esta forma, podemos diferenciar dos partes en la película. En la primera se nos presenta a unos jóvenes de barrio obrero de Detroit que encuentran en el ejército una vía para huir de la desidia y la probable caída en la delincuencia a la que se ven abocadas sus vidas. Una vez en su destino en Oriente Medio vamos viendo una parte de su entrenamiento y rutina junto a un par de sargentos con mal genio hasta que les toca encarar su primera misión. El rescate de un equipo que ha quedado aislado en suelo enemigo conformará la segunda parte. No es sólo ya que sepamos desde el principio cómo va a acabar la misión, sino que además ésta se desarrolla do forma carente de sentido y divagando a base de sopor, inocuidad, diálogos y monólogos interiores patéticos y cámaras lentas que buscan la imagen bonita pero que no cuenta nada. Más de una hora de metraje que se llega a hacer insoportable porque no pasa nada, y lo poco que pasa no nos puede importar menos. Si se buscaba que empatizáramos con los personajes principales podemos afirmar que no lo consiguen en absoluto. Las únicas salidas del tedio general están compuestas por tiroteos muy mal rodados donde a veces nos cuesta enterarnos de lo que pasa y que están llenos de mucho ruido y pocas nueces. Es el mal que afecta a mucho directores novatos o con ganas de epatar. No por mucho mover la cámara como si te estuviera mordiendo una colonia de hormigas vas a conseguir dotar de ritmo una escena, sino que puedes conseguir el efecto contrario, saturando al espectador y creando confusión. Tampoco falta el tópico romance inter-cultural metido con calzador, para redondear la función. Aunque fiel a sus principios de no contar nada, al final nos lo tenemos también que imaginar.

Sin embargo, no todo es malo. Los efectos especiales son competentes, el diseño de las criaturas es imaginativo (aunque su función en la trama no pasa de lo comentado anteriormente) y tiene algún concepto interesante como la evolución de las peleas ilegales de perros, que pasan a ser peleas "perro vs monstruo". Lástima que luego no se desarrollen. También destaca la banda sonora de Neil Davidge, sencilla pero efectiva, aunque pierda su función entre el batiburrillo de imágenes pretenciosas, cámaras lentas sin sentido y lentitud exasperante. En definitiva, mal negocio para aquéllos a quienes les gustó el original y peor aún para quien lo encontrara lento o vacuo, ya que esta propuesta eleva estos conceptos hasta lo indecible.1/2
Por Antonio Santos

NOCTURNA 2015 | Palmarés

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Una vez finalizado el Nocturna Film Festival 2015 es momento de repasar el palmarés de las distintas secciones. Un resultado con el que, por una vez y sin que sirvan de precedente, han coincidido jurado, crítica y público:

SECCIÓN OFICIAL FANTÁSTICO:

El jurado de Sección Oficial Fantástico constituido por Enrique López Lavigne, Paco Plaza y Elena Furiase han decidido otorgar los siguientes premios:

  • NOCTURNA  PAUL NASCHY  MEJOR PELÍCULA: Liza and the Fox Fairy de Károly Ujj Mészáros.
  • NOCTURNA MEJOR DIRECTOR: Károly Ujj Mészáros por Liza and the Fox Fairy.
  • NOCTURNA MEJOR GUIÓN: Ex equo – Bálint Hegedûs y Károly Ujj Mészáros por Liza and the Fox Fairy | Marcus Nispel y Kirsten Elms por Exeter.
  • NOCTURNA MEJOR ACTOR: Szabolcs Bede Fazekas por Liza and the Fox Fairy.
  • NOCTURNA MEJOR ACTRIZ: Mónica Balsai por Liza and the Fox Fairy.
  • NOCTURNA MEJORES EFECTOS ESPECIALES: Ex equo – Exeter | Liza and the Fox Fairy.
  • PREMIO DEL PÚBLICO (CORTOMETRAJE): The Fisherman de Alejandro Suárez.
  • PREMIO DEL PÚBLICO (PELÍCULA): It Follows de David Robert Mitchell.

- MENCIONES ESPECIALES DEL JURADO:

El jurado quiere alabar la calidad de los cortometrajes que encierran visiones ambiciosas y personales en La Hora del Baño de Eduardo Casanova, Happy Face de Marc Juvé, The Fisherman de Alejandro Suárez y 2037 de Enric Pardo

El jurado también quiere agradecer al Director del Festival, equipo y programadores de NOCTURNA por habernos permitido asistir a la proyección de una de las mejores películas de terror de este nuevo siglo: It Follows de David Robert Mitchell.

DARK VISIONS:

El jurado de Dark Visions compuesto por Carlos Galán, Carlos Areces y Jimina Sabadú ha decidido otorgar el siguiente premio:

  • MEJOR PELÍCULA NOCTURNA DARK VISIONS:Afterdeath de Gez Medinger y Robin Schimdt.

MADNESS:

El jurado de Madness compuesto por Paco Manzanedo, Javier Trujillo y Aurora Carbonell han decidido otorgar el siguiente premio:

  • MEJOR PELÍCULA NOCTURNA MADNESS: De forma unánime por divertida brutal y única Buny The Killer Thing de Joonas Makkonen

OTROS GALARDONES:

  • PREMIO FANTASTICA LATINOAMERICA Blood Window: Presagio de Matías Salinas
  • MEJOR CORTOMETRAJE UNIVERSITARIO: Oscillation de Didac Gimeno
  • MAESTRO DEL FANTÁSTICO 2015:Álex de la Iglesia.
  • SCIFIWORLD HALL OF FAME 2015: Josep Anton Pérez Giner.

Personalmente, no puedo estar más de acuerdo con el palmarés. Sin duda, Liza and the Fox Fairy ha sido la gran sorpresa de esta edición en la Sección Oficial. Una propuesta imaginativa y divertidísima que es capaz de aunar con total naturalidad la estética y fondo de cuento de hadas de Jean Pierre Jeunet con la mala leche, ritmo y espíritu del Takashi Miike más lúdico-festivo. Una completa locura siempre sorprendente que nos arranca más de una carcajada a lo largo de su metraje.
Por Antonio Santos


SERIES | Juego de Tronos 5x08 (2015)

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HARDHOME

Obnubilado me hallo ante tal majestuosidad que ha supuesto un guantazo en la cara de proporciones gigantescas que no han hecho otra cosa más que hacer circular la sangre por el cuerpo tras ver unos episodios algo lentos pero que iban hilando poco a poco lo que ocurriría en el tramo final de la quinta temporada. Esto hacía que viésemos la serie con gusto pero también con algo de desgana. Claro está, sabemos que lo mejor se lo guardan para el final, y por regla general, la hostia la pegan en el episodio nueve; ésta vez no ha sido así sino que se han adelantado, lo cual nos hace pensar que pueden ocurrir más cosas interesantes que están por venir, aunque dudo que tengan el nivel de espectáculo que ofrece Hardhome, es decir Casa Austera, un lugar donde los salvajes tienen refugio al borde del mar. Pero antes de entrar en la materia sanguinolenta de la historia, vamos a resumir brevemente los otros actos que han ido ocurriendo en éste octavo episodio.

Empezamos con Arya, quien ha comenzado su entrenamiento ante la duda de la joven rubia hacia la confianza de su maestro, Jaqen. La joven Stark se mezcla entre el pueblo con el nombre de Lanna, una vendedora de ostras que tiene en su punto de mira a un cobrador de impuestos. El "juego" consistirá en seguirlo de cerca hasta que llegue la hora de darle un "regalo" con forma de pequeño recipiente de cristal con un líquido del que intuimos que no hay nada bueno en su interior.

Sansa, por su parte, vuelve a hablar con Theon, quien insiste en llamarse Hediondo ya que todo lo que había del Greyjoy fue cortado en trozos por Ramsay. La discusión se hace más intensa cuando la Stark le recuerda que por su culpa, tanto Bran como Rickon fueron asesinados. Hediondo confiesa y le dice que no los encontró, que los cuerpos eran de dos niños de un granjero cercano. Ante la sorpresa, Hediondo se marcha veloz. Mientras tanto, los Bolton preparan su estrategia ante el ejército de Stannis. Roose opina que es mejor esperar, ya que con la nieve, muchos moriran de frío y esto acabará por provocar un amotinamiento de los hombres. Ramsay, por su parte, opina que no hace falta un ejército precisamente, sino veinte "buenos hombres"...


Cersei sigue en su celda. Cada día, una mujer le ofrece un trago de agua a cambio de su confesión, pero la Lannister sigue terca y desea la muerte de su opresora con ansia viva. Uno de sus "fieles" se acerca a ella y le comunica que Tommen está encerrado en sus aposentos. Le recuerda que su condena es clara, entre muchas cosas destaca la fornicación y la muerte del rey Robert Baratheon, no obstante, le recuerda que hay un modo de salir, la confesión. Ella vuelve a estallar y recuerda que le dio todo al gorrión supremo, pero el hombre se despide con un "Adiós mi reina. Aún queda trabajo".

Empieza el tomate de forma directa en Meereen. Tyrion y Daenerys hablan sobre su futuro. ¿Qué le impide no matar al que fuera familia del exterminador de su padre? Tyrion es claro, asesinó a su padre y es el señalado por "matar" a su madre al nacer. Fue mano del rey de un joven que disfrutaba asesinando. Le ofrece ser su consejero, así que como última prueba, la Targaryen le pregunta sobre el futuro de Jorah. ¿Debería matarlo? Tyrion le hace ver que es un hombre enamorado de ella y su amor lo ha cegado, pero no lo mataría. Con eso, es echado de la ciudad nuevamente. Pero Jorah, aunque dolido y mirándose nuevamente el brazo por su contaminación con los hombres de piedra, decide volver al comerciante que lo compró para que lo haga luchar en el "gran reñidero" y así obtener el perdón de la Targaryen, o bien caer en el intento. El Lannister y la reina hablan sobre su pasado, presente y futuro. Le dice que los mecanismos de una rueda están en las casas principales de poniente, los Tyrell, Lannister, Stark... sin embargo, ella es el carro que lleva la rueda y decidirá ponerle fin destrozándolos. Así que decide tener a Tyrion en su bando como consejero para tener lo que tanto anhela.


Y ahora sí, llegamos a Casa Austera, con Jon y Tormund a la espera de lograr un consenso que los ayude a unir sus fuerzas para luchar con los caminantes blancos. Describir lo que viene a continuación durante veinte minutos puede suponer una lectura fácil e imaginativa, pero hay pocas palabras para describir tanta espectacularidad. Aun así haremos el intento pero esto es mejor verlo con los ojos inyectados en sangre, sí, nos daremos palmadas en el pecho en son de justicia por haber esperando tanto para ver algo así. La entrada de Jon y Tormund no será bien hallada cuando el "señor de los huesos", supuesto líder de la región, les hace ver que no quieren contacto con los cuervos. Tormund no se lo piensa al saber de la importancia de su viaje y coge su vara para matarlo estrellando su cabeza en el barro hasta rompérsela. Todos quedan quietos y tienen seguidamente una reunión con los líderes. Jon da su discurso, no pide que sean amigos, todos han perdido hombres, solo quieren unidad para luchar contra los caminantes blancos y para ello han traído armas, dagas de vidriagón con las que aseguran la caída de los temerosos enemigos. Cuando parece que hay consenso, les dicen que no confían en él por ser un guardia de la noche, pero sí en Tormund, y si el pelirrojo confía en él, lo seguirán. No obstante, hay un thennita que no aprueba tal cosa, así que el grupo se divide. 

Unos cinco mil hombres se dirigen a los barcos mientras el resto se queda, pero de repente un ruido lejano comienza a hacerse grande. De las montañas heladas una nube tempestuosa comienza a bajar sobre ellos. Cierran las puertas temiéndose lo peor, dejando hombres fuera. Se escuchan gritos de dolor y auxilio y de repente se hace el silencio. El thennita se acerca a mirar por un resquicio y de repente hordas de esqueletos y muertos atacan. En lo más alto, los caminantes blancos observan con tranquilidad. Comienza una lucha salvaje y sangrienta mientras muchos se retiran en barcos y otros quedan por su honor. Jon y Tormund toman las armas, e incluso uno de los gigantes aparece para defender a los suyos en lo que supone una de las escenas más espectaculares de la serie. El thennita y Jon se adentran en la casa que arde y allí aparece un caminante blanco que no duda en matar al primero con tan solo un golpe, mientras Jon busca una daga de vidriagón sin éxito. Es lanzado contra la pared, contra el suelo, y cuando está a punto de morir, saca a "garra", su espada y logra parar el golpe. Ambos quedan sorprendidos y Jon acentúa el combate dándole muerte al caminante haciendolo estallar en hielo. ¿Cómo ha sido posible? Es la pregunta que todos nos haremos. Seguramente se deba al acero Valyrio, una forja olvidada y que solo unas pocas de casas tienen como herencia. La de Jon es la clave, y ahora que lo sabe, los caminantes pueden empezar a temer... o no. Decimos esto porque cuando parece que la calma ha llegado, de las montañas se lanzan hordas de muertos al vacío estampándose literalmente contra el suelo, donde un hombre se habría hecho añicos. La sorpresa llega cuando estos se levantan para continuar la lucha con los pocos hombres que quedan en pie. Jon, Tormund y unos pocos se retiran al mar, incluido el gigante al que no le hacen falta más que sus pies para llegar al otro lado. Más alejados, en la barca, observan a un caminante que se acerca y que levanta sus brazos poco a poco para levantar a todos los caídos de nuevo, incluyendo a los salvajes, ampliando de ésta forma su ejército ante la atónita mirada del resto.


Sí amigos, estamos ante un episodio que deja pequeña la cabalgada hacia el muro de la temporada anterior. Uno de esos capítulos que dejan boquiabiertos al personal dando por hecho que la serie va por buenos cauces y más ahora que se están separando abiertamente de los escritos de George R.R. Martin, lo cual es de agradecer. Me quito el sombrero y lo mejor es que quedan dos episodios donde seguramente habrá espectáculo, probablemente no con la misma intensidad de éste octavo, pero sí que aguardamos expectante nuevas vías ahora que Daenerys tiene su consejero, se acerca el juicio Lannister, Arya ha comenzado su entrenamiento y Sansa ha descubierto que su familia no está del todo extinta. La semana que viene más, mientras tanto voy a darme un respiro ante semejante inyección de adrenalina. 

Por Dante Martín


NOCTURNA 2015 | Suburban Gothic (2014)

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"RESPETO TU GUSTO POR LA MODA EUROPEA, PERO ESTAMOS EN LOS ESTADOS UNIDOS DE AMÉRICA"

¿De qué va?
Raymond tiene un prestigioso curriculum como administrador de empresas, pero es incapaz de encontrar trabajo, así que termina siendo desahuciado de su apartamento de la gran ciudad y se ve obligado a volver a casa con su dominante madre, un padre obsesionado con el deporte y sus antiguos compañeros de clase, que ven su vuelta como un fracaso. Todo cambiara cuando un fantasma vengativo aterrorice su pequeño pueblo y Raymond sea el único que puede resolver el misterio que amenaza la vida de todos.

Reparto
Matthew Gray Gubler es Raymond
Kat Dennings es Becca
Ray Wise es Donald
Barbara Niven es Eve
Jeffrey Combs es Dr. Carpenter
John Waters es Cornelius

Dirección
Richard Bates Jr. (Excision)

Impresiones
Película ligera, ideal para una mañana de domingo y para despedirse del Nocturna Film Festival con una sonrisa en la boca y dejando descansar el cerebro y las emociones fuertes con una propuesta cien por cien lúdica y festiva. De esta forma, estamos ante una cinta que se acerca mucho más a la comedia que al terror. El protagonista absoluto de la función es Matthew Gray Gubler (a quien hemos podido ver en la serie Mentes criminales en el papel del Dr. Reid) interpretando al rarísimo hijo único de la típica familia burguesa americana republicana y patriota hasta la médula. Todo el metraje se centra en la conflictiva relación con el padre y el choque con un entorno tan hermético y que huye de la diferencia (de cualquier tipo: de clase, de etnia, de condición sexual, ...) desde un punto de vista humorístico. Es decir, una radiografía de ese American Way of Life de barrio residencia americano (ese Suburban Gothic que parodia la famosa pintura de Grant Wood) con mucha retranca y sacando a la luz todas las miserias barridas debajo de la alfombra con una sonrisa y un puñal en la espalda.


Dentro de este ambiente suburbano se incluye un elemento fantástico cuando Raymond añade a sus "rarezas" (como vestir a la europea o ser el opuesto al típico quarterback de instituto) la capacidad de poder comunicarse con las almas en pena que vagan por nuestro plano de realidad. De esta forma, cuando un ente sobrenatural comienza a hacer de las suyas y las vidas tanto de su familia como de su amiga especial corren peligro Raymond se verá obligado a convertirse en el héroe a su pesar del pueblo, el único que puede resolver el misterio paranormal y salvar el día. Para ello tendrá que enfrentarse no sólo al más allá, sino sobre todo a la incomprensión de su padre, empeñado en encerrarlo en un psiquiátrico.

Una vez planteada la premisa, lo demás es básicamente una sucesión de chistes y situaciones jocosas que varían desde la ironía más punzante hasta el humor más absurdo y tontorrón. Cosa que también puede cansar, porque fuera de este tono lúdico-festivo el resto es más simple que el mecanismo de un botijo, y la trama fantástica no es que esté metida con calzador pero ocupa un papel muy secundario en el metraje. Vamos, que esto no es "Agárrame esos fantasmas" precisamente. Sin embargo, la película cuenta con el aliciente de las siempre estimulantes presencias de veteranos curtidos en estas lides como Ray Wise, Jeffrey Combs y John Waters. Respecto a los protagonistas, Matthew Gray Gubler está divertido en su papel aunque se acerque bastante a la fina línea de la sobreactuación, mientras que Kat Dennings está muy desaprovechada y apenas tiene la oportunidad de desplegar su vis cómica, ejerciendo de mera comparsa. En definitiva, una película para pasar una tarde aburrida de domingo que garantiza un rato de entretenimiento (aunque evidentemente habrá a quien no le haga ni puñetera gracia) sin más, cargada de sarcasmo y de música indie. Tampoco pretende nada más.★★
Por Antonio Santos

CRÍTICA | The Barber (2014)

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"TIENES QUE CAVAR PROFUNDO PARA ENTERRAR A TU PADRE"

¿De qué va?
John es un joven que veinte años después del suicidio de su padre, busca a Eugene, un hombre mayor que regenta una barbería que fue sospechoso tiempo atrás por el asesinato de diecisiete chicas, caso por el que fue absuelto al no haber pruebas consistentes. El encuentro de éste hombre será revelador cuando John le diga que es un fan y quiere ser como él.

Reparto
Scott Glenn es Eugene Van Wingerdt
Chris Coy es John McCormack
Kristen Hager es Audrey Bennet
Stephen Tobolowsky es Gary Hardaway
Olivia Taylor Dudley es Kelli

Dirección
Basel Owies

Impresiones
La frase inicial "Tienes que cavar profundo para enterrar a tu padre" es extraída de un proverbio gitano que sirve mucho para esclarecer la historia principal del segundo protagonista de la historia, John McCormack. En The Barber se nos narra la historia de un peligroso asesino en serie que martirizó a un policía veinte años atrás hasta el punto de suicidarse. Tras no haber pruebas y tan solo un sospechoso, se cerró el caso, pero la obsesión del hijo del fallecido quien se hace policía como su padre, despierta un interés en él cuando cree haber encontrado al asesino. Su paso lo lleva hasta un pequeño pueblo donde un hombre llamado Eugene Van Wingerdt regenta una barbería, pero tal y como podemos ver, éste hombre cuidadoso y amable se lleva bien con todos, incluso con el jefe de policía Hardaway. 


Cuando llegamos hasta aquí, el punto fuerte lo encontramos en las preguntas que el espectador llega a hacerse en todo momento. Cuando ambos protagonistas se juntan y su relación evoluciona, llegamos a los siguientes interrogantes:¿John quiere descubrirlo o ser verdaderamente un asesino? ¿Es Eugene un asesino de verdad o tan solo quiere ser alguien por la falta de cariño? Y la mejor de todas, ¿Quien se la está jugando a quien?. De no ser por éstas preguntas, la cinta caería estrepitosamente en el sopor y es que bajo su apariencia de sospecha y suspense, poco a poco se va desinflando dejando cabos sueltos que molestan. SPOILER ¿O acaso la prueba de las huellas con el talco no es suficiente para tener como principal sospechoso a John? FIN SPOILER. 

En resumidas, la cinta se deja ver y entretiene. Scott Glenn tiene en su haber una de sus pocas interpretaciones como protagonista -es un legendario secundario de lujo- y sabe sacarle jugo a su papel.Chris Coy, por su parte, no me termina de convencer, pero al menos tenemos a dos bellezas como son Kristen Hager -imponente como prostituta encubierta- o sobre todo Olivia Taylor, que deja ver algo más su fisonomía y nos deslumbra soberanamente. Lo demás, un film justito que obtiene el aprobado por sus incógnitas y por Scott Glenn, pero cuando una película la borras de tu mente a la media hora de acabarla, es un claro hecho de que te la podías haber ahorrado tranquilamente. Al menos las hay peores. ★★★★
Por Dante Martín


SERIES | Penny Dreadful 2x05 (2015)

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ABOVE THE VAULTED SKY

La oscuridad sigue patente en éste episodio que comienza con Madame Kali haciendo de las suyas con uno de su muñequitos. En éste caso abre la cabeza para descubrir un cerebro, el muñeco tiene el rostro de la esposa de Sir Malcom, por lo que intuimos que se está abriendo camino para que su relación sea más fácil. Comienza a introducir alfileres, haciendo sufrir a la mujer hasta el punto de sufrir alucinaciones y convulsiones. Acaba viendo las tumbas de sus hijos, quienes salen de la tierra para acercarse a ella, pero la mujer no duda en coger una navaja de barbero para cortarse el cuello. Al hacerlo, solo le da tiempo a observar que su visión era tan solo una locura porque ya no hay absolutamente nada en la habitación, pero ya es tarde pues la mujer se ha cortado el cuello. Mientras tanto, una de las brujas fieles a Kali coloca el mechón de Vanessa en su muñeca.

En la mansión de Sir Malcom, todos se reúnen a la espera de un nuevo ataque. Ethan les relata un antiguo ataque a una reserva de indios donde hicieron una emboscada y arrasaron el lugar en apenas quince minutos. Vanessa da por hecho que al robarle un mechón, jugarán con él por medio de una muñeca, al más puro y tradicional estilo del vudú pero de forma más elaborada. Sembene, por su parte, dice que la salida está en consumir la carne de la bruja para absorber su poder. Así que Ethan, retomando su historia decide "defender su acantilado". Todos se ponen manos a la obra, colocan una gruesa puerta metálica, varios ritos colgados, tapan espejos, se hacen con armas, Lyle sigue su rito judio, Sembene hace guardia sentado en las escaleras y Vanessa coloca su protección en forma de escorpión en la puerta. Más tarde, ella reza en su habitación pero nota la presencia de las brujas, por lo que corre donde está Ethan. Le dice que no sabe si las ha visto o solo es producto de su imaginación, así que se quedará a dormir allí mientras comienza una breve charla sobre Dios.  "Estamos juntos por una razón", dice ella. "¿El plan de Dios?" pregunta él, a lo que Vanessa responde con un contundente "". Sin embargo, todo marca a una persona cuando se produce la primera muerte, cuando ella mate a alguien lo entenderá... A la mañana siguiente Ethan sale a la calle y allí es reclamado por el inspector Rusk quien lo invita a ir a su oficina para hablar de la masacre de la Taberna del marinero. Allí se entera que su relación en el caso quedó escrita al inscribirse en el hostal junto a Brona, tanto él como ella no aparecieron en la escena y ésto le sorprende dado que daba por hecho su muerte en la habitación. Finalmente y por falta de pruebas, sale de allí aunque vigilado no sin antes culminar con la frase del inspector "Tenga cuidado señor Chandler... con la balas", pero Ethan se escabulle por las calles de la ciudad, sin embargo, al llegar a la mansión de Sir Malcom alguien lo vigila de lejos y no es otro que el superviviente de la escena, el señor Roper.


En el laboratorio de Victor Frankenstein se produce el primer encuentro entre Lily y John Clare, quien está preocupado por lo que piensa de su rostro. Todo acaba en un chasco cuando después de la conversación ella le dice que no desea hacerle daño, por lo que de momento serán amigos. John regresa a las catacumbas de los infectados, allí se encuentra nuevamente con Vanessa, ambos recitan una poesía del poeta que lleva el mismo nombre que la criatura de Frankenstein. Todo acaba derivando nuevamente en el lugar que Dios les tiene reservado. "¿Lo encontró? el poema me dice que sí, usted lo encontrará" Debido a su buena conexión, John le acaba pidiendo consejo para poder abrirse a "una chica". "Vea en mi a esa mujer y siga su corazón". ambos acaban bailando un vals y John se siente pletórico.

La fiesta comienza en otra parte, donde Dorian y Angelique pasean hasta que son increpados por un grupo donde uno de ellos le reclama cuarenta libras robadas, seguidamente le escupe y Dorian trata de responder pero ella/él lo evita. Luego, en casa se viste como un hombre y le pregunta si seguiría amándolo vestido así. "¿Crees que no entiendo lo que es ser diferente?" acto seguido se besan y todo estalla en una noche de amor, pero no solo para ellos ya que en la fiesta, Malcom y Kali siguen más cercanos mientras ella lo pincha con un anillo drogado. Su pasión se desata en un hotel cercano, haciendo el amor mientras sigue pinchándolo una y otra vez. Y no serán los únicos, pues la noche se ha desatado en tormenta y ésto asusta a Lily, quien se mete en la cama de Victor, desatando una pasión oculta y aunque él trata de impedirlo no puede resistirse. Mientras la noche es propicia para el sexo, Vanessa e Ethan se cruzan en las escaleras de la mansión y tan solo sus miradas son suficientes para entender que hay algo entre ellos que aun no han dejado abrir. La semana que viene más.

Por Dante Martín


CRÍTICA | Paranormal Activity (2007)

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"ESTOY BASTANTE SEGURO DE QUE ESTO HA SIDO ILEGAL EN KENTUCKY Y EN OTROS VEINTE ESTADOS"

¿De qué va?
Una pareja que cambió de casa hace apenas tres años comienza a sufrir extrañas experiencias por la noche, por lo que deciden grabarse mientras duermen para averiguar lo que ocurre realmente...

Reparto
Katie Featherston es Katie
Micah Sloat es Micah
Ashley Palmer es Ashley
Mark Fredrichs es el médium

Dirección
Oren Peli (Area 51)

Impresiones
Hoy en día es relativamente fácil hacerse un hueco en el cine, o por lo menos realizar un film. Gracias a la era Internet, a portales como Youtube y a un poco de ingenio –tampoco hace falta ser un genio- se puede conseguir que un debut con muy pocos medios se convierta en todo un éxito. Así le ocurría en 2009 a Oren Peli, que con tan solo quince mil dólares conseguía que su debut en la gran pantalla superase la barrera de los 100 millones de $ solamente en Estados Unidos.

La historia de Paranormal Activity comenzaba, eso sí, bastante antes, cuando en 2007 su realizador la estrenaba usando la por entonces en pañales proyección bajo demanda, y a partir de ahí el marketing viral hizo el resto. Grabaciones en cines captando la reacción del público, rumores de que el mismísimo Spielberg intentó deshacerse de ella calificándola de maldita, o su condición de pieza ineludible para las multisalas, hicieron el resto y ayudaron a su descomunal éxito. Tanto que fue la verdadera culpable de que hoy en día veamos decenas de títulos que exploten el found footage.Peli animó a muchos a emprender su camino, y más de quince años después, sufrimos las consecuencias.


Así, Paranormal Activity ha quedado ya atrás en el tiempo, que no olvidada, y vista en el momento de su estreno a más de uno le pudo parecer que no cubría totalmente las expectativas. Porque el problema fundamental de este tipo de productos virales es precisamente el hype. Ahora bien, con el tiempo lo que queda es una efectiva cinta de terror, una propuesta que con pocos recursos –restringir el ángulo de visión del espectador al objetivo de una cámara fija y utilizar elementos tan sencillos como sonidos en mitad de la noche y puertas que se abren y cierran solas- consigue inquietar al espectador y generar tensión. A esto se unen un par de momentos tremendamente efectistas pero que suponen acertados golpes de efecto que permanecen en la retina. Y poco a poco se va adentrando sutilmente en lo desconocido hasta su impactante final, pero nunca sin mostrar al verdadero causante de esos fenómenos paranormales que sufre en sus carnes, nunca mejor dicho, la pareja protagonista, actores puramente amateurs que consiguen transmitir empatía hacia el público gracias a sus amenas grabaciones caseras y a su espontaneidad. 

Ahí radica el punto fuerte de Paranormal Activity, que consigue generar terror de verdad, de ése que te hace desconfiar de cualquier ruido y sombra que percibas en mitad de la noche. Y aunque su estructura sea demasiado repetitiva –por las noches grabación que pone los pelos de punta, y por el día a analizar lo grabado la noche anterior-, Peli logra una cinta bastante inteligente que sabe dosificar muy bien sus momentos de tensión, y que con los años queda como un clásico del género por derecho propio. Y más importante, que logra que el found footage tenga sentido y esté bien utilizado, algo que muchos de esos nuevos realizadores que abusan del formato no siempre consiguen. ★★★
Por Gerardo Medina


CRÍTICA | Slow West (2015)

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"POCOS DE NOSOTROS QUEDABAN, HOMBRES MÁS ALLÁ DE LA LEY. PERO LOS MÁS PELIGROSOS SON LOS ÚLTIMOS EN CAER"

¿De qué va?
Jay Cavendish viaja desde Escocia a lo más profundo de América para reencontrarse con Rose, su amada. En el camino se encontrará con Silas Selleck, un misterioso forajido que ejercerá de protector y acompañante en su viaje.

Reparto
Kodi Smit-McPhee es Jay Cavendish
Michael Fassbender es Silas Selleck
Ben Mendelsohn es Payne
Caren Pistorius es Rose Ross
Rory McCann es John Ross

Dirección
John Maclean

Impresiones
Supone el debut en el largometraje de John Maclean, amigo íntimo de Michael Fassbender con el que trabajó en dos cortometrajes. Fassbender decidió echarle una mano y puso el dinero para producir Slow West. Sabiendo ésto de antemano, podríamos decir que todo es un favor y solo sobresale el actor alemán, como siempre... pero no es el caso. Slow West es una película que merece la pena por varios factores y que a decir verdad, es una sorpresa por como es presentada y va evolucionando.

Eso sí, el género nos puede confundir ya que probablemente muchos esperen una cinta del oeste clásica, de duelos y muchos disparos. Aunque disparos hay, se aleja completamente de lo habitual para narrarnos una historia algo onírica debido al protagonista, Jay Cavendish, un joven que viaja desde Escocia a lo más profundo de América para encontrarse con su amada. Jay, interpretado por Kodi Smit-McPhee -del que no esperaba gran cosa y me ha sorprendido gratamente- es un buenazo con todas las letras, inocente y al que le toman el pelo en varias ocasiones por su juventud e inexperiencia. Sale de un territorio aparentemente manso para adentrarse en una tierra de malhechores, y es ahí donde aparece Silas Selleck (Fassbender), un forajido que a cambio de dinero se ofrece como acompañante para protegerlo en su cruzada particular. Sin embargo, toda ésta apariencia de ayuda esconde un fin que Jay desconoce y que no revelaremos aunque se conoce a la media hora de metraje.



La cinta cuenta con una narración en off por parte del personaje de Fassbender, lo cual nos puede hacer intuir como acabará la historia. Sin embargo, y a mi modo de ver, el final levanta la película por completo, siendo éste el que ofrece mayor carga de suspense y sorpresa. De igual modo, cabe destacar la fotografía de Robbie Ryan quien tiene en su haber productos tan interesantes como Patagonia o Jimmy's Hall. En Slow West brilla enormemente por sus colores vivos unidos a auténticas postales de ensueño, y no puedo dejar atrás los casi-retratos de todos los cadáveres de la cinta, uno a uno como homenaje o recuerdo. A ésto hay que destacar el formato de la cinta, grabada en formato 1:66, que le viene perfecto para hacer en cierto modo algo más añeja su realización. Añadimos en positivo también la banda sonora de Jed Kurzel, quien ofrece una partitura fantástica, adaptándose a cada imagen y añadiendo un punto de soledad que le queda formidable al conjunto.

Y podría ser que alguien, como me ocurre a mi, achaque la carga de flashbacks como punto negativo. Normalmente, en una gran mayoría de películas, éstas escenas retrospectivas suelen resultar cargantes por retroceder en demasía explicando cosas que el espectador podría intuir, pero no es el caso de Slow West ya que nos ilumina con el pasado del joven, lo cual se agradece, y añade un plus cuando en la reunión de forajdos en el bosque, uno de ellos narra una historia sobre un cartel que no desvelaremos pero que recomendamos absolutamente, no tiene precio. De igual modo, hablando de escenas, es inevitable mencionar el gran momento que ocurre en la tienda, una de esas escenas que cortan la respiración por la torpeza de algunos desesperados.

Pero no todo es color de rosa, ésta ópera prima tiene sus defectos, hay que reconocer que flojea y por momentos se vuelve muy pausada aunque tan solo dura hora y media. Creo que el personaje de Ben Mendelsohn está muy desaprovechado y tan solo ejerce como un mero espectador más del espectáculo hasta que decide entrar en el juego. No me podría olvidar de Rory McCann, Sandor Clegane en Juego de Tronos, que aquí ejerce del cabeza de familia de los Ross y es un gusto verlo. En resumidas, es un film muy interesante, una agradable sorpresa en la que tanto McPhee como Fassbender brillan por sí solos. ★★★

Por Dante Martín



CRÍTICA | Kramer contra Kramer (1979)

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"¿CUANTO VALOR SE NECESITA PARA ABANDONAR A UN HIJO?"

¿De qué va?
Ted Kramer regresa un buen día a casa tras una jornada de trabajo. Con ilusión en su mirada por un nuevo proyecto, se encuentra con una sorpresa de parte de su mujer, Joanna. Va a abandonarlo, tanto a él, como a su hijo Billy. Aunque Ted cree que se trata de un simple berrinche, Joanna no dará señales de vida durante bastante tiempo...

Reparto
Dustin Hoffman es Ted Kramer
Meryl Streep es Joanna Kramer
Justin Henry es Billy Kramer
George Coe es Jim O'Connor
Jane Alexander es Margaret Phelps
JoBeth Williams es Phyllis Bernard

Dirección
Robert Benton (En un lugar del corazón)

Impresiones
Basado en una novela de Avery Corman, adaptada en guión y llevada a la gran pantalla por Robert Benton. Una película que causó sensación en su momento y logró la cifra de cinco estatuillas en los premios Oscar. Probablemente con cierta controversia por haber desbancado del trono a Apocalypse Now. Fuera de polémicas sobre si fue un "robo" o no, no cabe duda que Kramer contra Kramer es una película demoledora. Si bien podría ser que a día de hoy funcionara como telefilm, por lo que cuenta, que en resumidas es lo que narran las películas de sobremesa de hoy, queda claro que la cinta guarda una energía considerable que la aleja de ese tumulto de trabajos infumables para televisión, sobre todo por el trabajo de los actores.

Aunque fue concebida para ser protagonizada por Al Pacino y Jane Fonda, finalmente fueron Dustin Hoffman y Meryl Streep los elegidos como el matrimonio Kramer. El pequeño Justin Henry sería Billy. Fue la primera película del pequeño y a decir verdad, sorprendió por su naturalidad y no caer en la repelencia, como muchos de los niños primerizos en el cine. Curiosamente, Henry fue nominado al Oscar, pero fueron sus progenitores en la ficción quienes se lo llevaran. A lo largo de los años se ha hablado mucho sobre ésto ya que fue el primer Oscar que levantaría Streep y desde entonces no ha parado en ser una firme candidata, pero a decir verdad, su papel aquí, aunque muy bueno, es cuestionable sobre si era merecedora del galardón por su poco tiempo en pantalla -aunque casos más reducidos se han visto-. Queda con ésto clarísimo que quien se come la pantalla es Dustin Hoffmanen el papel de un hombre que solo se dedica a su trabajo y que tras ver trastocada su vida por la marcha de su esposa, debe convertirse en un hombre multitrabajo, dedicado a su empleo y a la vida de familia más que nunca, haciendo labores que nunca antes había hecho, como preparar el desayuno o llevar al pequeño al colegio y posteriormente recogerlo. Éste cambio hará mella en él de forma que cambiará la forma de ver la vida pero sobre todo, se verá trastocada la relación con su jefe, interpretado por George Coe, quien trata de absorberlo lo máximo posible.


El tema de la película sigue vigente hoy día, matrimonios que se separan e hijos de por medio. Sin embargo, se le da una vuelta de tuerca al ser ella la que abandona a los suyos, pareciendo la mala de la historia. Una mujer que decide marcharse porque siente que le falta algo y que su labor no es la de ser madre al menos por ahora, es la cantinela que hemos escuchado en decenas de películas o incluso puede que en la vida real, ganas de disfrutar y probar cosas nuevas para encontrarse a sí mismo/a. Todos estos detalles se sumarán en una de las mejores escenas del film, el juicio, donde el espectador comenzará mentalmente a pensar y dividirse hacia un lado o hacia otro. 

Curiosamente, el póster original de la película es una fotografía de la familia feliz cuando lo que encontramos es un drama en toda regla. No sería lo mismo de no haber un niño de por medio y esa es la principal baza, porque a fin de cuentas, es una criatura que necesita de un padre y una madre, y ahí es donde el personaje de Hoffman muestra más madurez, porque sabe que lo suyo es una obligación como padre, por lo que decantarse a favor del lado de él es más lógico. En resumidas, Kramer contra Kramer es una película dura, de sentimientos profundos y que nos cuenta una realidad brutal, magistralmente interpretada. Uno de esos clásicos instantáneos que no envejecen aunque tampoco se vislumbre como obra maestra, pero sí que merece la pena. ★★★

Por Dante Martín



NOCTURNA 2015 | Liza the Fox-Fairy (2015)

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¿De qué va?
Liza es una joven enfermera que cuida desde hace años de Márta, la viuda del embajador de Japón en Hungría. El día de su 30 cumpleaños, Liza sale con la esperanza de encontrar a su verdadero amor... y se convierte en la principal sospechosa de una serie de asesinatos.

Reparto
Mónika Balsai es Liza
Szabolcs Bede Fazekas es Zoltán Zászlós
David Sakurai es Tomy Tani
Zoltán Schmied es Henrik
Antal Cserna es Károly

Dirección
Károly Ujj Mészáros

Impresiones
Estamos ante la gran ganadora del Nocturna Film Festival 2015. Y no sólo es una etiqueta, sino que lo ha petado completamente arrasando en todas y cada una de las categorías en el reparto de premios. Con todo merecimiento, cabría añadir. Una agradabilísima sorpresa que ha hecho las delicias de los asistentes a la proyección, que hemos caído rendidos a la fascinante inocencia recubierta de humor caustico de la propuesta. Una Amélie imbuida del espíritu gamberro del cine oriental más lúdico-festivo. Un cocktail que mezcla el universo de cuento de hadas, la estética colorista y el gusto por lo vintage del universo de Jean-Pierre Jeunet con la locura, ritmo y humor negro de Takashi Miike (sobre todo de divertimentos irreverentes como La felicidad de los Katakuri) y sale más que airoso del experimento.

La historia es un cuento de hadas pasado por el tamiz del exceso al estilo oriental. Una joven enfermera que ha pasado toda su vida entre cuatro paredes cuidando de la viuda del embajador japonés en Hungría, espera un momento revelador que hará cambiar todo su mundo. Al igual que la protagonista de su novela favorita, su única ilusión es esperar al día de su trigésimo cumpleaños para encontrar el amor verdadero en unas circunstancias muy particulares. Sólo que no cuenta con que el fantasma cabronazo de un cantante japonés de los años 50 no le pondrá las cosas nada sencillas. Un espíritu burlón que puede ser mucho más de lo que aparenta... Sin pretenderlo, Liza pronto verá como una espiral de muerte comienza a rodearla, cosa que hará sospechar a la policía. Ser un hada puede no ser un buen negocio cuando la imaginería japonesa se mete por medio... Aunque por suerte habrá algún aliado inesperado dispuesto a ayudar a romper la maldición cueste lo que cueste.


De esta forma, encontramos una protagonista que bien podría ser un trasunto de la Amélie de Jeunet. Una joven adorable, inocente e idealista que nos hechizará por su bondad y su mirada de cervatillo, inmersa en una Hungría llena de detalles entre surrealista y retro que potencian su espíritu de cuento. Sólo que el humor que impregna la película está trufado de mucha mala leche y momentos de lo más absurdo y loco que nos arrancarán más de una carcajada. Un guión lleno de imaginación, siempre sorprendente y donde el inevitable final feliz, fiel a la descacharrante lógica de la propuesta, ha de rodearse de muchas comillas. Como no podía ser de otra forma, unidos a la capacidad de sorpresa y pura diversión del relato tenemos una recua de personajes a cuál más raruno y desfasado, desde un aficionado a las experiencias culinarias fuera de lo común hasta un rico burgués (con un extraordinario parecido con el chanante Ernesto Sevilla) con afición a saltar de cama en cama.

A la exquisita estética de la película contribuyen un imaginativo diseño de producción, prolijo en cachivaches y repleto de detalles, y una festiva banda sonora de tintes orientales que refuerza el tono de cuento de hadas (enloquecido) y que incluso cuenta con temas antagónicos para explicitar la lucha entre el Bien y el Mal en forma de confrontación de canciones tradicionales (en el sentido de "viejunas") japonesas y húngaras. Tampoco falta una hilarante bossanova para acompañar al casanova de Henrik. En definitiva, toda una sorpresa que supone un soplo de aire fresco al género fantástico (sobre todo occidental) brindando una original propuesta repleta de sana diversión, mala leche, delirio y un agradecido toque de extravagancia y especias orientales.★★★★

Por Antonio Santos

TRAILER | Macbeth (2015)

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Tras su estreno, aplauso de la crítica y público en el pasado festival de Cannes, nos llega el primer avance en forma de teaser-trailer y no podemos más que quedarnos con ganas de más. Justin Kurzel se ha cuidado de crear una ambientación única y favorable a la historia de William Shakespeare. Aunque su estreno aún es una incógnita en España, se antoja cerca. Hay ganas de ver al bueno de Michael Fassbender, acompañado de Marion Cotillard en ésta producción que nos hace darle al play una y otra vez ante fantástico avance.



CRÍTICA | Paranormal Activity 2 (2010)

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"NO SÉ SI LA CASA ESTÁ ENCANTADA, PERO OJALÁ LO ESTÉ"

¿De qué va?
Creyendo que lo que están sufriendo es una serie de robos, una familia coloca varias cámaras de seguridad alrededor de su casa, sin embargo la sorpresa llegará cuando comprueben que se trata de otra cosa muy diferente...

Reparto
Brian Boland es Daniel Rey
Molly Ephraim es Ali Rey
Sprague Grayden es Kristi Rey
Katie Featherstone es Katie
Micah Sloat es Micah

Dirección
Todd Williams (Una mujer difícil)

Impresiones
Era inevitable. Tras el taquillazo que supuso Paranormal Activity, la secuela no se haría esperar. Oren Peli, en esta ocasión en la silla de productor, junto al rey Midas del género, Jason Blum, tenían claro que el tiempo era primordial, y que la segunda parte no debía tardar mucho tiempo en salir. Lo que pocos esperarían era que, cual entrega de la saga Saw, la continuación llegaría con tan sólo un año de diferencia, aunque sí confiaban en que volvería a ser un éxito.

Aunque lleve el número 2 en su título, esta entrega no es exactamente una secuela directa, al menos no durante todo su metraje. Comienza como una precuela y, como ya ocurriera en [•REC] 2, acaba desarrollándose de manera paralela a los sucesos de su predecesora–esto le permite recuperar a sus protagonistas por el camino-, y culmina uniendo la acción a la del final de aquélla. Se centra para ello en un aspecto argumental que ya entonces se mencionaba, la historia entre la protagonista de ésta y su hermana. Así, Paranormal Activity 2 sigue lo que ocurre en la casa de Kristi, la hermana de Katie, y cómo los hechos que vivirá su familia guardarán relación con algunos detalles puntuales que vivió su hermana Katie junto a su pareja Micah en la anterior.


Lo difícil de esta película era mantener el nivel de la película de Peli, y sobre todo no caer en repetir esquemas. En ese sentido, no consigue sorprender, le falta el efecto sorpresa y la novedad de aquélla. Sin embargo, lo interesante en ella es cómo sus guionistas –fue escrita a seis manos por tres guionistas distintos- logran armar a partir de algunos detalles puntuales de la anterior toda una historia con la que continuar la franquicia, en forma de objetos como la foto quemada del desván o la propia trama de las hermanas que ya se mencionaran en la primera. Y aunque su dirección no sea una maravilla, Tod Williams–director más apegado al drama y la comedia, con filmes en su haber como The Door in the Floor (Una mujer difícil)- cumple utilizando bien el found footage y con algunos golpes de ingenio que tratan de dar una vuelta de tuerca y no repetir lo que ya Peli exploró entonces, como el juego que da la multi-cámara o el uso de la visión nocturna, pero que igualmente suenan a ya vistos en otras propuestas similares. 

Quizá no consiga generar la misma tensión que Peli, e incluso el ángulo de visión de sus cámaras es tan amplio que cuesta saber adónde mirar para no perderse los fenómenos paranormales que se suceden, pero sigue resultando una secuela/precuela más que digna, entretenida y para hacer pasar un rato incómodo al espectador en su asiento. Imprescindible, por supuesto, verla con las luces apagadas, de noche y a todo volumen. Perfecta para luego salir al pasillo a oscuras. Si tienes lo que hay que tener ★★★★


Por Gerardo Medina


SERIES | The Flash 1x23 (2015)

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FAST ENOUGH

Último capítulo de la temporada y un buen momento para hacer balance de lo que nos ha ofrecido esta primera entrega. Lo primero a destacar es que, a diferencia de su "prima hermana" Arrow este año, el desenlace es bastante satisfactorio a muchos niveles. Hay dos cosas sobre todo que se han constituido en pilares fundamentales de la serie: una apuesta por la sana diversión sin colorantes ni conservantes y sobre todo mucho cariño por los personajes. Esto último se nota sobre todo en este episodio en el que la primera mitad se compone únicamente de conversaciones y sin embargo no se hace pesado en absoluto. ¿Por qué? Porque los personajes nos importan. Los hemos visto crecer, evolucionar, sufrir, tropezar y levantarse con más fuerza. Todo en la trama huele a despedida y a que los acontecimientos se pueden disparar con consecuencias de lo más imprevisibles. Y sobre todo sobrevuela un concepto interesante: ¿Qué harías si pudieras cambiar tu pasado? ¿Y si ese cambio supusiera que tu presente podría cambiar también irremediablemente? Esta es la cuestión a la que se enfrenta Barry. 

Esta situación se desarrolla a partir de una conversación con el cautivo Wells/Thawne. Todo un antagonista de primera magnitud que siempre tiene un as en la manga. En esta ocasión, proponer un mefistofélico trato a Barry. Su libertad a cambio de lo que el héroe más ansía. No conformarse con tener retenido al asesino de su madre, sino ir un poco más allá. Hasta el punto de salvar su vida. Aquí entra en juego el Acelerador de partículas "tuneado" por Wells, sólo que esta vez con una ligera variación. Sólo tendrá una partícula. La otra será sustituida por Flash, de forma que al chocar a una velocidad endemoniada abriría un agujero de gusano que posibilitaría, por un parte, que Barry viaje al pasado para salvar a su madre y, por otro, que el propio Eobard Thawne regrese a su época. Es el precio a pagar y la paradoja que supone dejar marchar al asesino a cambio de evitar el asesinato. Aunque las repercusiones van más allá. Un cambio tan importante en el pasado puede suponer no sólo un brutal efecto mariposa sino también la creación de una nueva linea temporal. De esta forma, la elección es aún más difícil. ¿Iniciar una nueva vida llena de incógnitas compartida con sus verdaderos padres y, con ello, borrar las vivencias felices junto a un "padre" y una "hermana" a los que quiere con locura? Cada una de sus dos figuras paternas tendrá algo que decir al respecto. Básicamente, que lo único que les importa es la felicidad de su "chico", aunque ello suponga la elección menos egoísta para cada uno de ellos.


Tras mucho pensar, la decisión está tomada. Barry viajará al pasado. Tocan las emotivas despedidas y un último momento de felicidad compartida con la reconciliación de Iris y Eddie unida a la boda de Caitlin y Ronnie. Efímera dicha que sólo supone un paréntesis al viaje en el tiempo que puede cambiar la vida de todos. Un viaje que se complicará aún más al descubrir que Barry tiene poco más de minuto y medio para evitar el asesinato de su madre y volver, ya que pasado este tiempo el agujero de gusano no podría cerrarse y absorbería todo lo que pillara a su alcance. Una contrarreloj que puede tener consecuencias fatales. El propio Eobard se encargará de guiar a Barry en su loca carrera por conectar con la Fuerza de la Velocidad ("May de speed force be with you", en gloriosas palabras de Cisco) y encontrar su camino por el espacio-tiempo. Una escena donde comienzan a fundirse pasado, presente y futuro permitiéndonos breves vistazos a posibles sucesos venideros como la aparición de Hawkgirl (a la que veremos en el futuro spin-off "Legends of Tomorrow") o a Caitlin convertida en la villana Killer Frost. Finalmente el choque contra la partícula elemental unido al control de Barry desembocará en su llegada al pasado, justo al momento del ataque de los Flash del futuro a su casa. Justo en el instante en el que ambos pelean despiadadamente. Sólo que un gesto de su yo futuro le hace recapacitar. Parece indicarle que no intervenga. Este leve gesto junto con su propia lucha interior le hacen desistir de sus planes. Entre la pastilla roja (una nueva vida) y la azul (su propia vida) elige la segunda, aunque conlleve la impotencia de ver a su madre morir ante sus propios ojos. Una situación durísima, al menos con el consuelo de poder despedirse de ella en una escena llena de emotividad.

Mientras tanto, en el presente se prepara el viaje de Eobard Thawne a través del agujero de gusano en una cápsula construida por Cisco. Gloriosos los múltiples homenajes de este capítulo, como esta máquina que anticipa al mítico viajero en el tiempo de DC Rip Hunter (a quien también veremos en "Legends of Tomorrow") o el no menos mítico casco-palangana alado de Jay Garrick, el primer velocista escarlata de la editorial y miembro fundador de la Sociedad de la Justicia de América. Sin embargo, justo cuando va a encaminarse al agujero de gusano verá como Flash regresa hecho una furia destruyendo la máquina. Otra cruenta batalla entre los dos velocistas comienza mientras Caitlin intenta desesperadamente cerrar el agujero antes de que se lleve todo por delante, aunque en esta ocasión será Eddie quien acaba decantando la balanza. Consciente de su relación con el Flash Reverso decide cortar por lo sano disparándose mortalmente. Si él muere, también lo hará su descendiente. De esta forma, Eobard Thawne es borrado de la existencia ¿para siempre? Aunque sea por las malas, Eddie consigue lo que lleva tanto tiempo buscando: ser un héroe para la chica, salvar el día, significar algo, de forma que los vaticinios de Eobard se vayan por el desagüe. Sin embargo, un acto de esta magnitud no queda sin consecuencias. La ruptura del espacio-tiempo provocada por la muerte de Eddie provoca que se abra un nuevo agujero negro que amenaza con absorberlo todo a su paso, creciendo cada vez más.¿Cómo "vencer" a un agujero negro? Flash intenta tirar de heroica dejando un cliffhanger brutal que no se resolverá hasta la siguiente temporada. Un final que anticipa también la intervención del Capitán Frío y la nueva Hawkgirl. ¡Esto es cerrar la temporada por todo lo alto y lo demás es cuento chino!


Y así termina esta primera sesión intensiva de Flash. Una serie con muchos más aciertos que defectos. Entre los segundos, el peaje que supone su emisión en CW y, por tanto, tener que dar cierta cancha al romance "forracarpetas" y un personaje que llega a hacerse odioso a base de puro percherismo como Iris. Sin embargo, los aciertos ganan por goleada. Entre ellos, destaca un respeto incondicional por los personajes, haciéndolos tridimensionales y siendo más que patente su evolución a lo largo de la temporada. De igual forma, es muy agradecida la apuesta por ser fiel a la esencia del personaje, evitando la oscuridad y dramatismo de su "hermana"Arrow apostando por la luminosidad, entretenimiento y diversión en estado puro. Si añadimos el carisma de determinados villanos (como Capitán Frío) y contar con un pedazo de antagonista pleno de potencia como Harrison Wells/Flash Reverso que nos ha mantenido en vilo durante toda la temporada podemos concluir que ha sido todo un placer encontrarnos con la versión televisiva del Velocista escaralata.¡Que continúe a este nivel por mucho tiempo!
Por Antonio Santos

CRÍTICA | Parque Jurásico (1993)

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"ESTÁ CONTROLADO, A MENOS QUE HAYAN APRENDIDO A ABRIR PUERTAS"

¿De qué va?
Alan Grant y Ellie Satler son engatusados por John Hammond, quien los reclama para que observen en sus carnes su creación, un parque completamente lleno de vida y repleto de dinosaurios. La primera visita tendrá lugar pero surgirá un "ligero" imprevisto...

Reparto
Sam Neill es Alan Grant
Laura Dern es Ellie Satler
Jeff Goldblum es Ian Malcom
Richard Attenborough es John Hammond
Ariana Richards es Lex Murphy
Joseph Mazzello es Tim Murphy
Samuel L. Jackson es Ray Arnold
Wayne Knight es Dennis Nedry
Bob Peck es Robert Muldoon

Director
Steven Spielberg (Munich)

Impresiones
La película por la que todos quisimos ser biólogos y fuimos a alimentar nuestras mentes a base de enciclopedias y fascículos sobre dinosaurios. Creo que nos ha pasado a casi todos, y si no es así, a mi si. Recordemos que hablamos de una película que tiene más de veinte años y eso en nuestro cuerpo se nota, y para algunos como yo, supuso un tiempo de magia y descubrimiento. La culpa de todo la tuvo el maestro en cine familiar aventurero y otras joyitas, Steven Spielberg.Él quedó maravillado desde su niñez con el tema cuando sus padres le regalaron un muñeco con forma de triceratops, su dinosaurio favorito. Cuando supo que Michael Crichton había escrito la novela, peleó por los derechos y fue Universal quien consiguió la apuesta más fuerte, así que rápidamente se puso manos a la obra para hacer una de las cintas que marcarían una época.


Parque Jurásico supuso un riesgo para Spielberg, se encontraba con una película muy grande en todos los sentidos y los dinosaurios tenían que parecer reales. Así que no escatimó en gastos -¿lo hace alguna vez?- y recurrió a cuatro pesos pesados del mundo de la ciencia ficción y el animatronic. Un grupo que harían que la Industrial Light and Magic subiera aun más como la espuma, nos referimos a Stan Winston, padre del exoesqueleto de Terminator, Michael Lantieri, especialista llegado de Indiana Jones, Phil Tippett, ganador del oscar por los efectos de El retorno del Jedi, y finalmente Dennis Muren, supervisor de los efectos especiales de La guerra de las galaxias. Un equipo así cualquiera lo querría tener y no cabe duda que la unión de sus mentes fue esencial para dejarnos como Alan Grant en el primer visionado a los braquiosaurios, con la boca abierta. Y es que Parque Jurásico tiene unos efectos especiales que a día de hoy siguen superando a otras producciones más actuales. Evidentemente, es probable que nuestro ojo encuentre hoy el digitalizado más fácilmente que entonces, pero sabiendo ésto, Spielberg decidió hacer uso de ordenador y animatrónica, por lo que muchas de las criaturas que vemos son reales, es decir, palpables para los actores y ésto daba aún mayor realismo de cara a la pantalla para disfrute del espectador.

No cabe duda que a nivel visual, hay poco que achacar a la cinta. Sin embargo, y como curiosidad, Parque Jurásico es una de las películas con más errores de raccord e incongruencias científicas. Quien quiera deleitarse con sus errores puede hacerlo a través de youtube, hay infinidad de vídeos. Pero por mencionar quizás los más chirriantes, no puedo quitarme de la cabeza lo que ocurre en la sección del tiranosaurio rex, cuando le ponen una cabra para que se la coma y comprobamos que todo está al mismo nivel de suelo, para que de repente desaparezca todo y haya un precipicio por el que caen Grant y los niños hasta llegar a un árbol mucho más abajo. Seamos realistas, una cosa es un fallo de raccord, una peluca, un cigarro a medio consumir o un vaso de agua, y otra muy distinta es un fallo tan garrafal como ese. Sigo sin explicarme en qué pensaba Spielberg en ese momento, porque es tan descomunal el error que es difícil no darse cuenta. Tan grande como poner un servicio en la zona más peligrosa del parque, en el sitio donde nadie debe salir del coche. 


Pero bueno, fuera de esos detalles que podemos obviar al abstraernos por su buen hacer en el resto, hay que mencionar sus graves incongruencias científicas, las cuales han sido muy comentadas a lo largo de los años. Por mencionar dos, se ha demostrado que el tiranosaurio no era ciego, gozaba de buena vista, por lo que quedarse quieto es un regalo en forma de merienda. Pero el punto más fuerte lo tiene la animación creada por el guionista David Koepp, narrando la forma en la que han podido crear dinosaurios a través de un mosquito fosilizado y su sangre. Pero claro, con ese mosquito podrían como mucho haber creado una sola especie y no la variedad que presentan, y para colmo, rellenan lo que falta del código genético con el ADN de una rana... Hacía falta (o no) una explicación científica para la comprensión del film, pero llegados a éste punto, era mejor habérsela ahorrado.

Sin embargo, todos estos detalles no nos importan. Vale que pueden bajar la calidad pero seamos sinceros, es una cinta con grandes escenas y unas emociones que no se habían vivido anteriormente en la gran pantalla. Un trabajo para toda la familia con la mano de Spielberg, aunque a decir verdad, la dirigió y dejó el resto en manos de George Lucas para su post-producción ya que tenía entre manos un proyecto que le traería muchas glorias y por el que se batió en los Oscars en su mismo año. Nos referimos a La lista de Schindler. Y si hablamos de escenas, muchas sin lugar a dudas, pero mi favorita es el momento de los velociraptores y los niños en la cocina, una forma maestra de crear terror y suspense donde el silencio está más justificado que nunca para aumentar la sensación de agobio.

En cuanto a la selección de los actores, casi impecable. Falla Laura Dern a quien dan ganas de dar un par de guantazos, pero mejor que lo haga una mujer para que no nos llamen machistas. Es insufrible en todo momento y para mi gusto, desencaja. Por otra parte, Sam Neill es Alan Grant y por suerte lo tuvimos en la tercera entrega (digo por suerte por el hecho de disfrutar de él), un actorazo como la copa de un pino que secunda a la perfección Jeff Goldblum en el papel del chulesco Ian Malcom con un look aun más rockero que nunca. No nos podemos olvidar del mítico Richard Attenborough en el papel del dueño del cotarro, quien fue ablandado por Spielberg, ya que en la novela de Michael Crichton era un ser despreciable. Para hacerlo más buenazo, se le añaden dos nietos, y seamos sinceros, el doblaje español del pequeño Timmy tira para atrás. La jovencita Ariana Richards cumple factiblemente. Y no podemos olvidarnos de Samuel L. Jackson, quien estaba ahí de forma secundaria (otra vez), pero estaba, y con eso basta.


Por otra parte, decir Spielberg es incluir aJohn Williams quien, como maestro de temas principales, vuelve a crear una preciosidad absoluta con dos leitmotivs que van unidos y que conjugan a la perfección. El resto, como suele pasar, casa muy bien con las imágenes aunque no sobresale fuera de la pantalla. Aun así, un tema para la historia, al igual que la película, que a día de hoy sigue siendo una joya y la mejor de la trilogía realizada a espera de Jurassic World, de la cual dudamos que se iguale, pero eso habrá que verlo antes. ★★★1/2

Por Dante Martín




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